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『新しき世界』は、犯罪組織に潜入した警察官ジャソンを中心に、やくざ・警察・権力争いが複雑に絡み合っていく作品です。

出演は、イ・ジョンジェ、チェ・ミンシク、ファン・ジョンミン。

重たい要素がぎゅっと詰まっているのに、最後に残るのは、なぜか人間同士の情なんです。

私はこの映画を、年に一度は観返したくなります。

展開を知っているのに、観るたびに胸がぎゅっとなります。

誰が味方で、誰が敵なのか。

分かっているはずなのに、観るたびにジャソンの苦しさへ引き戻されます。

※ここから一部ネタバレあり

組織も警察も、どちらも冷たい

『新しき世界』で面白いのは、正義と悪がきれいに分かれていないところです。

警察は正義の側にいるはずなのに、ジャソンをかなり冷たく扱います。

長く潜入させて、危険な場所に置き続ける。

本人の限界が近づいても、組織の都合が優先されます。

一方で、犯罪組織の中には、妙に人間くさい情があります。

もちろん、危険な世界。

裏切れば、容赦なく消される。

それでもジャソンが居場所を感じてしまうのは、警察側ではなく組織側にも見えるんです。

このねじれが、最後までずっと苦しい。

どちらに戻っても地獄。

どちらを選んでも、もう元には戻れない。

その息苦しさが、作品全体に流れています。

チョン・チョンの狂気と愛嬌

ファン・ジョンミン演じるチョン・チョンは、この映画の中でも強く印象に残る人物です。

ただ、彼だけがすごいというより、作品全体の緊張感の中で、チョン・チョンの存在がよく効いています。

軽口をたたき、ジャソンに「ブラザー！」と近づいていく姿には、妙な愛嬌があります。

でも、裏切りを前にした瞬間、空気が変わる。

特に印象的なのが、工場でふたりの潜入捜査官が追い詰められるシーン。

そこにいるチョン・チョンからは、普段の軽さが消えています。

一見すると、陽気で少し下品なお調子者。

でも組織を守る側に回った瞬間、目の温度がすっと下がる。

この切り替わりが、本当に怖いんです。

愛嬌、情、残酷さ——それがひとりの人間の中に同居している。

だからチョン・チョンは、単純な悪人で終わらないんです。

嘘の関係に、本物の情

チョン・チョンから見たジャソン

本来なら信用できない立場の人間。
それでも、特別に目をかけ、誰よりも近くに置く。
乱暴で口も悪い男が、ジャソンといるときだけ、心から楽しんでいるように見える。

ジャソンから見たチョン・チョン

印象的なのが、命を張ってチョン・チョンをかばうシーン。
考える前に体が動いている。
それだけ深く、兄貴として慕っていたということがよく分かります。

それでも、境目が分からなくなる

情なのか、計算なのか。
観ているうちに、答えが出なくなっていきます。

偽りの関係のはずなのに、情だけは本物に見える。
そこがこの映画の、忘れがたいところです。

ラストの回想が、すべてを切なくする

普段、映画のエピローグは少し余計に感じることがあります。

説明しすぎると、余韻が薄れてしまう気がして。

でも『新しき世界』のラストだけは、別でした。

回想シーンのジャソンとチョン・チョンは、屈託なく笑い合っている。

だからこそ、本編で追い詰められていくジャソンの姿が余計に苦しく見えます。

警察にも組織にも挟まれて、心を休める場所がない。

だからこそ、あの一瞬の素の笑顔が余計に重く響きます。

ただの組織抗争じゃなかった。
ただの潜入捜査でもなかった。
そこには、もう戻れない時間があった。

その余韻が、『新しき世界』を観終わったあとも長く残らせます。

モッチのひと言

ファン・ジョンミンのファンとして言わせてください。この人の作品、本当にどれも観てほしい。チョン・チョンはその魅力が凝縮された一役だと思います。


昔観たきりの方も、今あらためて観ると、また違うところに刺さるはずです。

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『処刑山 ナチゾンビVSソビエトゾンビ』の監督はトミー・ウィルコラ、公開年は製作国ノルウェーで2014年です。（日本劇場公開は2020年）

前作では、雪山を訪れた医学生たちが、第二次世界大戦中に残された財宝をきっかけに、爆速のナチゾンビ（ナチスゾンビ）の襲撃を受けます。

主人公マーティンは仲間を失いながら逃げのびますが、車内に金貨が1枚残っていたことで、ナチゾンビに再び襲われるところで物語は終わります。

第2作となる本作は、前作『デッド・スノウ』から約5年ぶりに作られた続編で、物語は前作のラスト直後から始まります。

冒頭に前作の簡単なおさらいがあるので、前作を観ていない方でも話には入りやすいです。

なんとなく観返しただけのつもりが、一度目より視点が変わって楽しめました。

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感覚が少しずつ麻痺していく

この作品は、見ているうちに感覚が少しずつ麻痺していく映画です。

まともな企画会議なら、途中で止められそうな内容です。

それを本当に作ってしまったところに、この映画の価値があります。

最初は「ナチゾンビから逃げる話」だったんですが、気がつくと主人公の右腕がナチゾンビの司令官のものになってしまいます。

その腕には死体を復活させる機能も付いています。

ここまで来ると普通なら「なぜそんなことになったのか」と気になります。

ただ、この映画は「そうなったので先へ進みます」という潔さがあります。

さらに後半では、出どころを考える間もなく戦車まで登場します。

細かい理屈よりも、「面白いなら乗せてしまえ」という勢いが勝っています。

少年がノートに書き殴った空想を、大人たちが本気で映像化してしまったような熱量。

作っている側は、きっと最高に楽しかっただろうなと思ってしまいます。

そして観ている側も、途中から理屈を追うのをやめてしまいます。

「次は何を見せてくれるんだろう」

その期待だけで、最後まで走り切れてしまう作品です。

バカ映画とみせて手を抜かない

B級映画好きが本作を好む理由は単純で、作り手が本気でふざけているからだと思います。

この作品も、怖がらせた直後に笑わせ、笑った直後に血しぶきを浴びせてくる。
その乱暴なリズムが、妙にクセになります。

ゾンビ映画として見ても、特殊メイクやゴア描写は驚くほど気合いが入っています。

雪原を真っ赤に染める流血描写も、人体が吹き飛ぶ場面も、「そこまでやる？」と笑ってしまうほど豪快です。

ふざけすぎた設定なのに、映像づくりは大真面目。
このギャップがたまりません。

気づけば、ゾンビ同士の全面戦争に

本作最大の見どころは、やはり物語終盤。

人間とゾンビの戦いで終わるのではなく、いつの間にか人間たちは置き去りにされ、ナチゾンビ軍団とソビエトゾンビ軍団が正面からぶつかります。

冷静に考えるとありえない展開ですが、観ている間は、その無茶さまで不思議と飲み込めてしまいます。

B級映画の面白さは、無茶なアイデアを力技で成立させてしまうところ。

本作は、その強引さを真正面から武器にしている、まさにB級映画のお手本です。

モッチのまとめ：なぜ愛されるのか

作り手が本気で楽しんでいる空気が、画面から伝わってきます。

観終わったあとに残るのは、ありがたいメッセージではなく、

「こんな映画を作る人たちに会ってみたい、自分も少し参加してみたいな」

とニヤニヤしてしまう満足感です。

シリーズをまとめて楽しむなら

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気になった方は、前作『デッド・スノウ』からまとめて観てみてください。

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旅先で出会った、感じのいい夫婦。

数か月後、その夫婦から招待状が届きます。

「せっかくだし、行ってみようか」

そんな軽い気持ちで訪れた田舎の家。

歓迎されて、美味しい食事を囲み、穏やかな時間を過ごす。

それなのに、なぜか落ち着かない。

小さな違和感が何度も顔を出すのに、誰もはっきり口にしない。

そして、その違和感の意味に気づいたときには、もう引き返せなくなっている。

映画『胸騒ぎ』は、その名の通り胸騒ぎが最後まで続く一本です。

『胸騒ぎ』とはどんな映画なのか

『胸騒ぎ』は2022年制作のデンマーク・オランダ合作映画です。

原題は『Speak No Evil』。

監督はクリスチャン・タフドルップです。

ホラー映画に分類されることが多い作品ですが、いわゆる驚かせる演出に頼った映画ではありません。

怪物も出てきません。

派手な事件もなかなか起きません。

それでも観ている間、ずっと落ち着かない。

むしろ何も起きない時間こそが怖い映画です。

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恐怖の正体は「違和感」

『胸騒ぎ』を観ていて何より印象に残るのは、人間関係の気まずさです。

招待してくれた相手だから。

悪気はないのかもしれないから。

せっかく来たのだから。

そんな気持ちが積み重なり、主人公たちは何度も違和感を飲み込んでしまいます。

観ているこちらは、

「それは断った方がいいのでは？」

「もう帰ればいいのでは？」

と思うのですが、それでも彼らは帰りません。

正直、わたしは「いや、もう帰れよ」と思いました。

原題の『Speak No Evil』は直訳すると「悪いことを言わない」。

この映画が怖いのは、特別な状況の話ではなく、誰にでも覚えのある遠慮や気遣いの延長線上にあるからです。

観終わったあとも、映画の出来事というより、自分ならどうしただろうと考えてしまいました。

たぶん私は帰ります。

勇気は振り絞るけど。

救いのなさに、少し感心してしまった

私は『胸騒ぎ』を観たあと、そのままリメイク版を続けて観ました。

普段はブラムハウス作品のような、大衆向けのエンタメ映画が好みです。

だから正直、最初はリメイク版の方が自分に合うと思っていました。

ところが観終わってみると、強く印象に残ったのはオリジナル版の方でした。

胸糞で、救いもなく、最後まで容赦がない。

普通なら好みから外れていてもおかしくない作品です。

それでも、この徹底した救いのなさには妙な説得力がありました。

最近はここまで観客に迎合しない映画も少なくなった気がするので、「よくここまでやり切ったな」と少し感心してしまいました。

同じ物語、異なる結末

「気になるけれど重すぎる映画は、ちょっと無理」という方は、2024年公開のリメイク版『スピーク・ノー・イーブル 異常な家族』から入るのもありです。

主演はジェームズ・マカヴォイ。

物語の構成は共通していますが、後半の方向性はかなり異なります。

オリジナルが観客に問いを投げかける作品だとすれば、リメイク版はスリラーとしての面白さを強めたエンタメ寄りの作品です。

ただ、個人的には先に『胸騒ぎ』を観ることをおすすめします。

この映画特有の居心地の悪さは、何も知らない状態で味わう方が強く残るからです。

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モッチのまとめ

『胸騒ぎ』は、幽霊や怪物が怖い映画ではありません。

人の遠慮や礼儀、そして「波風を立てたくない」という気持ちが怖い映画です。

観終わったあとも、後味の悪さがじわじわとつきまといます。

最近のホラー映画に物足りなさを感じている方は、一度試してみてください。

「胸糞映画」と語られる理由を、身をもって体験できる一本です。

※2026年6月時点では、オリジナル版『胸騒ぎ』はU-NEXTで見放題配信中。リメイク版『スピーク・ノー・イーブル 異常な家族』はレンタル配信で視聴できます。

最後までお読みいただき、ありがとうございました。
この記事が作品選びの参考になれば嬉しいです。

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『Michael／マイケル』は、マイケル・ジャクソンの幼少期から1988年の「Bad World Tour」までを描いた伝記映画です。父親の支配という逆境を乗り越え、世界的スターへと成長していく前半生にフォーカスした作品になっています。

なお、伝記映画の性質上、この記事には作品内容のネタバレが含まれます。

引き込まれたけど、物足りなかった

制作陣は『ボヘミアン・ラプソディ』を手がけたグレアム・キングをはじめ、伝記映画を知り尽くしたメンバーが揃っています。

観ている間はあっという間に時間が過ぎるほど、没頭して楽しめました。

ただ、正直に言うと、映画終盤にかけて「もう終わり？早くない？」と感じ少し物足りなさを覚えたのも本音です。

私と同じように、「もっとマイケルの人生を観たかった」と感じた人も多いのではないでしょうか。

では、なぜこの映画は前半生に焦点を絞って描かれたのでしょう。

なぜ1988年で終わるのか

実は本作は、当初マイケルの生涯全体を描く予定だったとされています。

ところが撮影終了後、1993年の和解文書をめぐる問題が浮上します。その文書には、ジョーダン・チャンドラーを映画で描写・言及しない趣旨の条項が含まれていたとされています。

その結果、終盤部分の再構成が必要になりました。再撮影は2025年6月に22日間行われ、追加費用は1000万〜1500万ドルに上ったとも伝えられています。

監督の アントワーン・フークア は、「マイケルという人間を理解するには原点から旅をする必要がある」「彼は家族への愛と音楽への愛の間で葛藤し続けていた」という趣旨の発言をしています。

前半生に焦点をあてることは、現実的な事情だけでなく、監督自身の意図でもあったようです。

なお、映画のエンドカードには「His story continues」という一文が添えられています。続編については現時点で正式な発表はありませんが、制作サイドも前向きなコメントを残しています。

※この映画の見どころや裏話をまとめた記事もあわせてどうぞ。
→ 映画『Michael／マイケル』の見どころ・裏話を徹底解説！

批評家39％・観客97％、なぜここまで差がついたのか

映画レビューサイト「Rotten Tomatoes」での評価です。

批評家スコア：39％
観客スコア：97％

SNSでも「批評家は厳しすぎる」「ファンが盛り上げているだけでは」という声が飛び交っていました。ただ、この評価差には好みの違い以外にも理由があります。

批評家が問題視したのは、マイケルの人生を描く作品でありながら、後年の重要な時期が描かれていないという点です。

一方、観客が見ていたのは別のところでした。音楽、ライブシーン、ダンス、そしてジャファー・ジャクソンの演技。

批評家は「伝記映画」として評価し、観客は「音楽映画」として楽しんだ。その差が、そのまま数字に出たのだと思います。

観て感じたこと

個人的に印象に残ったのは、スターになってからのマイケルです。

世界的な成功を収め、富も名声も手にしてなお、実家で暮らし、動物たちと親友のように接しながら過ごす。母親との静かな時間、兄弟たちとの何気ない会話、病気の子どもたちへのお見舞い——そういった場面が、丁寧に描かれています。

純粋で、優しくて——そう感じさせる場面が続きます。

ただ、その一方で、観ているうちに、じわじわと違和感も生まれてきました。

家族や動物、音楽関係者以外の人物との関わりが、ほとんど描かれないのです。同年代の友人も、ごく普通の他者との交流も出てこない。

マイケルの世界が意図的に限定されているような印象を受けます。

これは和解条項による制約なのか、それともマイケル自身の人物像なのか、観ていても判断はつきません。

結局この映画を観終えても、「本当のマイケルをつかみきれない」という感覚が残ります。

聖人のような人物として描かれている。でもそれが全部なのかどうか、わからない。
その「わからなさ」は、もしかしたら彼自身が望んだものなのかもしれません。

また、天性の才能だけでなく、並外れた努力があったことも伝わってきます。華やかなステージの裏側に、積み重ねてきた時間の重さがある。そのことを、本作は丁寧に描いています。

音楽映画のような体験だった

作品名「THIS IS IT」

映画全体としては、十分に満足できる作品でした。

個人的には、伝記映画というより、音楽を中心に据えた作品という印象です。

鑑賞中はずっと音楽に引き込まれ、帰宅後にはサウンドトラックをすぐに再生。

そのまま、2009年6月に急逝したことで実現しなかったロンドン公演のリハーサルを記録したドキュメンタリー『マイケル・ジャクソン THIS IS IT』も、あらためて見返しました。

映画館を出た後、同じ行動をとった人は多いのではないでしょうか。

U-NEXT で視聴する 🎬 キング・オブ・ポップ『THIS IS IT』

最後までお読みいただきありがとうございました。

構成についての賛否は、きっとこれからも続くでしょう。それでも観終わった後に残ったのは、あの曲も、あのステージも、「もっと聴きたい」「もっと知りたい」という気持ちでした。それで十分だと思っています。

改めて実感したのは、マイケル・ジャクソンはやはり特別だということです。
スクリーン越しでも魅了される「何か」がある。

続編が実現するなら、それ以上のことはありません。

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⏱️読了目安｜約５分

近年のブラピを知る、3つの顔

1963年生まれ。『セブン』（1995年）や『ファイトクラブ』（1999年）で演技派としての評価を確立し、以降もコメディ、アクション、静かなドラマと幅広いジャンルを渡り歩いてきました。2020年には『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・ハリウッド』でアカデミー賞助演男優賞を受賞。自身の制作会社プランBエンターテインメントでは『それでも夜は明ける』などの受賞作もプロデュースしており、俳優業にとどまらない存在感を持っています。還暦を超えてなお主演作を連発しているのは、率直にすごいことだと思います。

2026年9月25日、ブラッド・ピット主演の最新作『ハート・オブ・ビースト』が全世界同時公開されます。監督はデヴィッド・エアー。二人にとって2014年の『フューリー』以来、12年ぶりの再タッグです。

公開まで残り約3ヶ月。本作をより深く楽しむための予習として、ブラッド・ピットの過去作を3本ご紹介します。

スターから俳優へ——ブラッド・ピットの現在地

① 『フューリー』（2014年）——12年ぶりの再タッグ、その原点

デヴィッド・エアー監督とブラッド・ピット、今回の再タッグの原点です。

第二次世界大戦末期、たった1両の戦車で敵陣に挑む5人の兵士を描いた戦争映画。泥と緊張感が画面から伝わってくる、重厚な作品です。

撮影現場でこんなことがあった

撮影中、戦車内で脚本通りに唾を吐いたスコット・イーストウッドに対し、そのシーンを知らなかったシャイア・ラブーフが激怒。一触即発の事態を収めたのはブラッド・ピットでしたが、実はピット自身もその行動に怒っていたと後に語っています。

極限状態を描く映画の撮影現場が、それ自体すでに一種の極限状態だったというのは、なんとも『フューリー』らしい話です。

『ハート・オブ・ビースト』でエアー監督が再びピットを主演に選んだ理由が、この作品を見るとわかる気がします。

② 『ブレット・トレイン』（2022年）——近年のブラピを知る一本

軽快なブラピを見たいなら

東京発の新幹線を舞台に、ブラッド・ピット演じる殺し屋が次々と刺客と対峙するアクション映画。外国人が作る「日本」の描写が独特で、それ自体が一つの見どころです。真田広之が共演しており、ハリウッドの中でも引けを取らない存在感を発揮しています。テンポが良く、笑える場面も多い。『ハート・オブ・ビースト』の重厚な雰囲気とはまったく異なる顔を持つブラッド・ピットを見られる一本です。

③ 『バビロン』（2022年）——栄光と転落、1920年代ハリウッド

お祭り騒ぎの果てにある転落劇

1920年代のハリウッドを舞台に、栄光と転落を描いた群像劇。ブラッド・ピットが演じるのは、時代の波に飲み込まれていく元スターの俳優です。

監督は『ラ・ラ・ランド』のデイミアン・チャゼル。実はチャゼルは『ハート・オブ・ビースト』のプロデューサーでもあります。華やかなミュージカル映画を作った人物が、なぜアラスカのサバイバル映画に関わっているのか——そう考えながら見ると、また別の興味が湧いてきます。

上映時間は長め、ハマる人にはハマる、見応えあるハリウッドの物語。

モッチのまとめ

3本を並べると、ブラッド・ピットという俳優の振れ幅が改めてわかります。泥臭い戦場の男、笑えるアクションの殺し屋、時代に飲み込まれていくスター。それぞれまったく違う顔を持ちながら、どれも「ブラッド・ピット」として成立している。そして今度は、犬と荒野を生き延びる退役軍人です。9月25日が楽しみです。

本作の詳細はこちら→映画『ハート・オブ・ビースト』あらすじ・見どころまとめ

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映画『ハート・オブ・ビースト』——ブラッド・ピットと犬が挑む、アラスカ極限サバイバル

2026年9月25日（金）、全世界同時公開。

ブラッド・ピット主演の最新作『ハート・オブ・ビースト』（原題：Heart of the Beast）は、アラスカの大自然を舞台にした、人間と犬の極限サバイバルを描いた作品です。

6月11日に公開されたトレーラーは、息をのむような自然の映像と、人と犬の静かな信頼関係が伝わってくる内容で、公開前から大きな注目を集めています。

あらすじ

元特殊部隊の退役軍人ジェームズ・ベルモント（ブラッド・ピット）は、相棒の退役軍用偵察犬オーディンとともに小型飛行機に乗っていました。

しかし、アラスカ上空で突然の事故が発生。

墜落した二人が降り立ったのは、激流・断崖・野生動物が待ちかまえる、人間を寄せ付けない極限の荒野でした。

心と体に傷を負ったジェームズと、同じく戦争のトラウマを抱えるオーディン。

「生きて、家に還る」

言葉が通じなくても、二人はたったひとつの目標に向かって歩き続けます。

作品基本情報

■ Heart of the Beast（原題）

• 公開日： 2026年9月25日（金）※米国公開予定
• 製作国： アメリカ
• ジャンル： サバイバル・スリラー
• 監督： デヴィッド・エアー
• 脚本： キャメロン・アレクサンダー
• 撮影： マウロ・フィオーレ
• 主演： ブラッド・ピット

見どころ

1. 12年ぶりの再タッグ

監督のデヴィッド・エアーと、主演のブラッド・ピット。

この組み合わせを見ただけで、ピンとくる方も多いのではないでしょうか。

二人は2014年の戦争映画『フューリー』以来、12年ぶりの再タッグとなります。

『フューリー』で描いた、極限下であらわになる人間の本質と生々しい現実。

その緊張感あふれる世界観が、今度はアラスカの荒野を舞台に描かれるかもしれません。

2. 人と犬の、言葉のいらない信頼

本作の核心は、退役軍人ジェームズと軍用犬オーディンの関係性にあります。

ジェームズは、戦争の経験による深い傷を胸に抱えた元兵士です。

一方のオーディンも、PTSDを抱えながら、戦争の爪痕を背負った軍用犬です。

傷ついた者同士が、極限の状況のなかで互いを支え合う。

ふたりの表情や行動から伝わるものに注目したい作品です。

3. CGに頼らない、本物の大自然

映像面にも注目です。

デヴィッド・エアー監督はCGIを極力使わず、実写撮影にこだわりました。

撮影監督はアカデミー賞受賞歴を持つマウロ・フィオーレが担当しています。

CGだけでは表現しきれない荒野の厳しさや空気感を、過酷なロケーション撮影と細部までこだわったセットによってリアルに描いています。

助演犬「Uber（ウーバー）」について

劇中で軍用犬オーディンを演じたのは、『Uber（ウーバー）』という名前の実在する犬です。

ニュージーランド南島の山岳救助隊に所属する、現役の雪崩救助犬。

演技のために訓練されたタレント犬ではなく、本物のプロ救助犬が起用されたというのは、なかなか珍しいことです。

見た目はジャーマンシェパードのような、凛々しくて頼もしい風貌。ただし犬種については、公式からは言及されていません。

監督は撮影現場でのUberのパフォーマンスを絶賛しており、本物の救助犬だからこそ引き出せた表現があったのかもしれません。

公開情報

公式トレーラーは2026年6月11日に公開済みです。
続報が入り次第、この記事も更新していく予定です。

監督・デヴィッド・エアーの関連作品

『ハート・オブ・ビースト』が気になった方に、デヴィッド・エアー監督の過去作を2本ご紹介します。どちらもU-NEXTで見放題配信中です。

『フューリー』（2014年）

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第二次世界大戦末期、たった1両の戦車で敵陣に挑む5人の兵士を描いた戦争映画。

ブラッド・ピットが隊長を演じており、本作『ハート・オブ・ビースト』との共通点も多い作品です。

泥と血と緊張感が画面から伝わってくる、重厚な一本です。

『ビーキーパー』（2024年）

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養蜂家の正体は、超精鋭の元工作員——という設定のアクション映画。

ジェイソン・ステイサム主演で、悪人をひたすら無双していく痛快な作品です。

倫理的にどうなの？と思いながらも、気づいたら笑っている。そんな映画です。

モッチのまとめ

犬映画はただでさえ弱いのに、その犬が本物の救助犬というのは反則ですね。公開前からすでに心をつかまれています。９月まで長いな〜。絶対に見に行きます。

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映画『ライフ』レビュー｜宇宙の静寂が、恐怖に変わる104分

宇宙を舞台にしたSFホラーって、どこか「難しそう」と感じる方もいるかもしれません。

でもこの映画、そんな心配は無用です。
むずかしいことは抜きにして、ただただ怖くて、ハラハラして、最後まで目が離せない。エンタメとして、これ以上何が必要？と思えるくらい充実した一本です。

作品情報

タイトル：ライフ（原題：Life）
公開年：2017年
製作国：アメリカ
上映時間：104分
監督：ダニエル・エスピノーサ
キャスト：ジェイク・ギレンホール、レベッカ・ファーガソン、ライアン・レイノルズ、真田広之 ほか

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あらすじ

国際宇宙ステーションに勤務するクルーたちが、火星から採取したサンプルの中に未知の生命体を発見します。

最初はごく小さな単細胞生物。研究チームはその生命体に「カルビン」と名前をつけ、観察を続けます。

ところがカルビンは、驚異的なスピードで成長をはじめます。知能も、力も、攻撃性も。逃げ場のない宇宙空間で、クルーたちは追い詰められていきます。

モッチの感想

冒頭8分で、もう心をつかまれました。

地球が見える距離の宇宙空間で火星サンプルを回収する船外活動。宇宙好きには痺れるシーンです。

宇宙空間の静けさと緊張感がじわじわと伝わってきて、気づいたら前のめりになっていました。

『カルビン』は、かわいらしい命名エピソードとは裏腹に、知能の高さ、成長スピードの速さ、そして容赦ない凶暴性。まったくかわいくないんです。

この小憎らしさのおかげで、逃げ場のない絶望感がリアルに伝わってきます。

ハリウッド映画ではアジア人の配役がごちゃまぜになりがちですが、この映画は日本人役に真田広之をきちんと起用。しかもはまり役で、作品全体の質感がぐっと上がっています。SFホラーはチープさが出ると一気に冷めてしまいますが、この映画にはそれがないので、安心して恐怖に集中できます。

『エイリアン』や『イベント・ホライゾン』が好きなら、きっと楽しめると思います。

みんなの評価は？

さまざまな映画サイトをのぞいてみると、評価は分かれているようです。「展開が読める」「既視感がある」という声もあります。

でもわたしは声を大にして言いたい。「エンタメ娯楽大作で何が悪い」と。宇宙の考証より、体感で楽しむ。それがこの映画の正しい楽しみ方だと思っています。

無重力空間の映像表現、逃げ場のない閉鎖空間の息苦しさ、じわじわ追い詰められる恐怖感。エンタメとして求めるものが詰まっています。

こんな人におすすめ

・SFホラーが好きで、純粋に怖い映画を探している
・『エイリアン』『イベント・ホライゾン』のような雰囲気が好き
・難しい設定抜きで、ハラハラを楽しみたい
・真田広之のファン

逆に、緻密なSF考証や複雑なストーリーを期待すると、物足りないかもしれません。でもそれがこの映画の味でもあります。

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モッチのまとめ

ラストシーンは、賛否の分かれる終わり方です。
「え、そうくる？」という驚きは保証します。ネタバレは伏せておきますが、ちょっと放心するような終わり方です。

後味は決して軽くないですが、それもふくめてこの映画の完成度だと思っています。

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ジェニファー・ローレンスの魅力は、美しさだけではありません。

スクリーンに現れた瞬間に目を奪われる存在感がありながら、どこか親しみやすい雰囲気も持っています。

華やかなハリウッドスターなのに、インタビューでは気取らない。そのギャップも彼女が愛される理由のひとつです。

今回は、そんなジェニファー・ローレンスの魅力がよく分かるおすすめ映画を3本ご紹介します。

アクション、コメディ、SF。

ジャンルの違う作品を通して、彼女の演技の幅を改めて感じてみてください。

ジェニファー・ローレンスという女優が、やっぱりすごい話

ジェニファー・ローレンスは2013年、『世界にひとつのプレイブック』でアカデミー賞主演女優賞を受賞しました。

若くして世界的な人気を獲得した彼女ですが、その魅力は受賞歴や華やかなキャリアだけではありません。

どんな役を演じても、その人物が本当にそこにいるように感じられる自然な演技が大きな魅力です。

怒りや悲しみ、迷い、喜び。

揺れ動く感情を繊細に表現し、観る人を物語の中へ引き込んでいきます。

今回は、そんなジェニファー・ローレンスの魅力を存分に味わえる3作品をご紹介します。

3作品はすべてU-NEXTで視聴可能です。なお、『マディのおしごと 恋の手ほどき始めます』はレンタル配信となります。

① ハンガー・ゲーム シリーズ（2012〜2015年）

あらすじ

近未来の独裁国家「パネム」。

貧しい地区で暮らす少女カットニスは、妹を守るため、若者同士が命を懸けて戦う「ハンガー・ゲーム」に志願します。

やがて彼女は革命の象徴として、多くの人々の希望を背負うことになります。

みどころ

カットニスは強い主人公ですが、決して無敵ではありません。

怖くても迷っても、それでも前へ進もうとする姿が印象的です。

このシリーズで特に惹かれるのは、ジェニファー・ローレンスの表情の演技です。

言葉がなくても、不安や怒り、悲しみが伝わってくる。

ジェニファー・ローレンスの魅力を知るなら、まず観てほしい代表作です。

⭐️わたし自身、観はじめたのは少し遅かったのですが、一度観出したら止まりませんでした。シリーズものが好きな方には、自信を持っておすすめできます。

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② マディのおしごと 恋の手ほどき始めます（2023年）

あらすじ

金銭トラブルで愛車を失いそうになったマディは、裕福な夫婦からある依頼を受けます。

それは、大学進学を控えた19歳の息子パーシーに恋愛の手ほどきをすること。

報酬目当てで引き受けたマディでしたが、不器用なパーシーとの交流を通じて、自分自身の人生とも向き合うことになります。

みどころ

ジェニファー・ローレンスの体当たりのコメディ演技が光る一本です。

これまでのシリアスな役柄の印象が強い方は、かなり驚くかもしれません。

笑える場面が多い作品ですが、ただのラブコメではありません。

将来への不安や、大人になりきれないもどかしさなど、意外と共感できるテーマも描かれています。

⭐️あるシーンでは、飲んでいたお茶を吹き出しそうになるほど笑いました。

「ここまでやるんだ」と良い意味で驚かされて、いっそうファンになりました。

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③ パッセンジャー（2016年）

あらすじ

宇宙移住船で120年間の眠りにつくはずだった乗客たち。

しかし事故によって、ジムだけが90年も早く目覚めてしまいます。

孤独に耐え続けた彼は、やがてひとりの女性オーロラを目覚めさせます。

その選択が、二人の運命を大きく変えていくことになります。

みどころ

SF映画としての面白さはもちろん、登場人物たちの心の動きにも引き込まれる作品です。

物語が進むにつれて明かされる真実と、それによって揺れ動くオーロラの感情が見どころ。

ジェニファー・ローレンスは怒りや悲しみを大げさに表現するのではなく、繊細な演技で伝えてきます。

⭐️閉ざされた空間で展開するシチュエーション作品が好きな方や巨大な宇宙船・スペースコロニーのような壮大なSF世界が好きな方には特におすすめです。

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ジェニファー・ローレンスのプロフィールと魅力

1990年8月15日生まれ、アメリカ・ケンタッキー州出身。

20代前半から注目を集め、『世界にひとつのプレイブック』では22歳でアカデミー賞主演女優賞を受賞しました。

アクション大作からコメディ、シリアスなドラマまで幅広い作品で活躍し、同世代を代表する女優のひとりとして高く評価されています。

ジェニファー・ローレンスの魅力は、演技力だけではありません。

インタビューでは飾らない言葉で率直に語り、失敗談まで笑いに変えてしまう親しみやすさがあります。

華やかなスターでありながら、どこか身近に感じられる。そのギャップこそが、多くのファンを惹きつける理由なのかもしれません。

プライベートでは2019年にアートギャラリー・ディレクターのクック・マローニーと結婚し、2022年には第1子が誕生しています。

キュートな素顔、愛されエピソード

オスカー授賞式で転倒

2013年、アカデミー賞授賞式でステージへ向かう途中に転倒。

ところがスピーチではその出来事を笑いに変え、会場を和ませました。

さらに翌2014年にもレッドカーペットで転倒。

凛とした佇まいとは対照的な愛らしいハプニングとして、今でもファンの間で親しまれています。

モッチのまとめ

ジェニファー・ローレンスの魅力は、美しさやスター性だけではありません。

今回は紹介しきれませんでしたが、『レッド・スパロー』もぜひ観てほしい1本です。ロシアの諜報員を演じたジェニファー・ローレンスの体当たりの演技は圧巻で、そのプロ魂に、心底しびれました。

どんな作品でも人物の感情を自然に見せてくれるところにあります。

今回ご紹介した3作品は、それぞれ違った魅力が味わえる作品です。

「ハンガー・ゲーム」で力強さを。

「マディのおしごと 恋の手ほどき始めます」で意外な一面を。

「パッセンジャー」で繊細な演技を。

3作それぞれに違った顔があります。まだ観ていない作品があれば、ぜひチェックしてみてください。

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ハンガー・ゲームとはどんな作品？

『ハンガー・ゲーム』は、アメリカの作家スーザン・コリンズによるヤングアダルト小説を原作にした、サバイバルアクション映画シリーズです。

舞台は文明崩壊後の近未来アメリカ「パネム」。 富裕層が暮らす首都キャピトルが、貧困地区の子どもたちを選び出し、最後の1人になるまで戦わせる——それが「ハンガー・ゲーム」です。

単なるバトルロワイヤルにとどまらず、支配と反抗、メディアと権力、個人の意志と社会構造といったテーマが丁寧に描かれているのが、このシリーズの大きな特徴です。

ジェニファー・ローレンス演じる主人公カットニスが、ゲームを通じて革命の象徴へと成長していく物語は、全世界で熱狂的な支持を集めました。

シリーズの視聴順番について

時系列と公開順が異なるため、初めて観る方は公開順（①→②→③→④→⑤）がおすすめです。

世界観を把握したうえで前日譚の『ハンガー・ゲーム0』を観ると、細かい背景や伏線をより深く楽しめます。

この記事で紹介するシリーズ全5作は、U-NEXTで見放題配信中です。気になった作品からチェックしてみてください。

全5作品　紹介

①ハンガー・ゲーム（2012年）

監督：ゲイリー・ロス　／　上映時間：143分

あらすじ

独裁国家パネムの第12地区に暮らす16歳の少女、カットニス・エバディーン。 抽選で妹がゲームに選ばれてしまい、カットニスは身代わりとして自ら立候補します。 同じ地区から選ばれた少年ピータとともに、24人が参加する命がけのゲームに挑むことになります。

見どころ

シリーズの原点となる第1作。 ゲームのルール、パネムという世界の成り立ち、カットニスというキャラクターの核心がこの1本でしっかり描かれています。

弓を手に、圧倒的な不利な状況を生き抜いていくカットニスの姿は、アクションとしても、ドラマとしても見応えがあります。 ジェニファー・ローレンスの演技力が一気に開花した作品です。

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②ハンガー・ゲーム2　燃え広がる炎（2013年）

監督：フランシス・ローレンス　／　上映時間：146分

あらすじ

第74回ゲームを生き延びたカットニス。 しかし彼女の行動が各地区の民衆に希望を与え、反乱の火種となっていました。 それを脅威に感じたスノー大統領は、節目の第75回大会に「歴代勝者全員を再出場させる」という前代未聞のルールを設定します。

見どころ

1作目よりもスケールが大きく、政治的な駆け引きが前面に出てくる作品です。 カットニスが「革命の象徴」として意識されていく過程が丁寧に描かれており、シリーズの転換点となる1本です。

後半の展開は、次作への期待を一気に高めるつくりになっています。 2作目にして、このシリーズが単純なアクション映画ではないことが明確になります。

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③ハンガー・ゲーム FINAL：レジスタンス（2015年）

監督：フランシス・ローレンス　／　上映時間：122分

あらすじ

第75回ゲームからの脱出後、カットニスは地下に潜む反乱組織の拠点・第13地区へと身を置くことになります。 革命軍のシンボルとして宣伝映像に出演することを求められるカットニスは、自分の意志と組織の論理の間で揺れ続けます。

見どころ

アクションよりもドラマ・心理描写に重きを置いた作品です。 「戦う側も、見せ方や象徴をコントロールしようとする」という、プロパガンダとメディアをめぐる視点が色濃く描かれています。

前後編の前編にあたるため、単独では結末が出ません。 ④と合わせて観ることをおすすめします。

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④ハンガー・ゲーム FINAL：レボリューション（2015年）

監督：フランシス・ローレンス　／　上映時間：137分

あらすじ

革命はいよいよ首都キャピトルへの総攻撃という最終局面を迎えます。 カットニスは前線に立ち、スノー大統領への直接対決を目指します。 しかしキャピトルの市街地は、まるでハンガー・ゲームそのものような罠が仕掛けられた戦場でした。

見どころ

シリーズの完結編。 戦争そのものの残酷さと、革命が孕む矛盾を正面から描いた作品です。 ハッピーエンドとは言い切れない結末が、このシリーズのリアリティを際立たせています。

③から続けて観ると、感情の流れがしっかり繋がります。

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⑤ハンガー・ゲーム0（2023年）

監督：フランシス・ローレンス　／　上映時間：157分

あらすじ

時代は①〜④の約64年前。 のちに冷酷な独裁者となるコリオレーナス・スノーの、まだ若き日の物語です。 第10回ハンガー・ゲームで、スノーは第12地区の少女ルーシー・グレイの教育係に任命されます。

見どころ

シリーズ本編を観てからこそ深く刺さる前日譚です。 「なぜスノーはあれほど冷酷な支配者になったのか」という問いへの答えが、丁寧に描かれています。

純粋な悪役ではなく、選択の積み重ねによって人間が変わっていく様子が見どころです。 本編とは異なるトーンで、ある種の悲劇として機能しています。

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シリーズ全体を通じた魅力

①アクションとドラマのバランス 派手な戦闘シーンだけでなく、人間関係・政治・心理描写が丁寧に描かれています。アクション映画が苦手な方でも入り込みやすいシリーズです。

②主人公の成長が5作通して描かれる 16歳の少女だったカットニスが、革命の象徴として変化していく過程は、シリーズを通して観てこそ伝わります。1作ずつの完成度も高いですが、5作続けて観ると感慨がまったく違います。

③現代社会と重なるテーマ 格差・メディア操作・権力構造・戦争の論理——2012年に始まったシリーズですが、今観ても古びない問いを投げかけてきます。

新作情報：シリーズ第6作が2026年公開予定

2026年11月20日（全米）に、シリーズ最新作『ハンガー・ゲーム：サンライズ・オン・ザ・リーピング』の公開が予定されています。

舞台は①の24年前、第50回ハンガー・ゲーム。 本編でカットニスたちのメンターを務めたヘイミッチの若き日が描かれます。 監督は引き続きフランシス・ローレンスが担当。日本公開日は現時点では未定です。

モッチのひと言

最後までお読みいただき、ありがとうございました。

わたし自身、観はじめたのはずいぶん遅かったのですが、一度観出したら完全に止まりませんでした。シリーズものが好きな方には、自信を持っておすすめできます。

『メイズ・ランナー』が好きな方には、特にハマると思います。

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ジェニファー・ローレンスという女優のことを、私はずっと「佇まいが好きだな」と思って観てきました。

華やかな役でも、泥臭い役でも、どこかに彼女自身の重力がある。スクリーンの中で、スクリーンの中で無理なく役になじみ、印象を残してくれます。

そのローレンスが2025年、また挑発的な作品を選びました。タイトルは『Die My Love』。産後の孤独と狂気を描いた、骨太なアートハウス映画です。

「CinemaScore D+」「批評家と観客が大きく割れた」——そんな数字を見ながらも、私がこの映画に引き寄せられるのは、ローレンスという存在への信頼があるからだと思います。彼女が選ぶ映画には、いつも理由がある気がます。

作品基本情報

原題：Die My Love
公開：2025年11月7日（米国）
上映時間：119分
配給：MUBI
原作：アリアナ・アルウィッツ著小説（同名）
脚本：リン・ラムジー、エンダ・ウォルシュ、アリス・バーチ（共同）

あらすじ（ネタバレなし）

作家志望のグレース（ローレンス）は、パートナーのジャクソン（パティンソン）とともに田舎の古い家へ移り住み、やがて子どもを授かります。

しかし夫の不在がちな生活と育児の重圧が重なり、グレースは少しずつ自分を見失っていきます。田舎の閉塞感の中で、「愛情と狂気が少しずつ溶け合っていく」、一人の女性の内側を丁寧に追った物語です。

「産後うつ」をドラマチックに描くのではなく、静かに、確実に心をざわつかせえぐる形で見せてくる作品です。

監督・キャスト

監督：リン・ラムジー

脚本：リン・ラムジー、エンダ・ウォルシュ、アリス・バーチ（共同）

『ウィー・ニード・トゥ・トーク・アバウト・ケビン』（2011）で知られる、テーマに正面から向き合う作家です。彼女が産後の孤独を描くと聞いたとき、「これは只者じゃない組み合わせだ」と感じました。

主要出演

・ジェニファー・ローレンス（グレース役）
・ロバート・パティンソン（ジャクソン役）
・ラキース・スタンフィールド
・シシー・スペイセク
・ニック・ノルティ

見どころ

ローレンスにとって、これまでで最も鮮烈な役どころのひとつと評されています。批評家の多くが「彼女のベストパフォーマンス」と記しており、キャリアの転換点になり得る作品と位置づけているレビューも少なくありません。

リン・ラムジーの映像美と音響設計も特筆もので、「内側から溶けていく女性の感覚」を視聴覚的に体験させてくれる作りになっています。

観るのがとても辛い——でも、それがこの映画の正直さだと思います。万人向けではないけれど、「難解だから面白い」と感じられる方には、2026年屈指の体験になるかもしれません。

知っておきたい裏話

【スコセッシが背中を押した】

マーティン・スコセッシが読書クラブで原作小説を読み、ローレンスに「あなたにぴったりの役だ」と薦めたことが制作のきっかけです。スコセッシのお墨付きというだけで、俄然興味が湧きますよね。

【ストライキによる延期】

もともと2023年に撮影開始予定でしたが、ハリウッドのストライキの影響で延期。ようやく2025年の公開にこぎつけました。

【カンヌで大型取引】

カンヌ映画祭でMUBIが2400万ドル（約36億円）で配給権を獲得。カンヌでの最大規模の取引のひとつとなりました。MUBIがこの金額を動かしたことが、作品の注目度を物語っています。

■ 観客・批評家の反応

【CinemaScore：D+】

批評家スコア（ロッテン・トマト）：77%

観客スコア（ロッテン・トマト）：44%

批評家と一般観客の評価が大きく割れた、典型的な「アートハウス型」の結果です。ローレンスは2017年の『マザー！』でもCinemaScore「F」を獲得しており、挑戦的な作品を選び続ける女優としての姿勢は一貫しています。個人的には、その一貫性がとても好きです。

※CinemaScoreは、映画館で観た人の満足度を示す評価です。A+が最高評価となります

モッチのまとめ

『Die My Love』は、簡単に「おすすめ！」とは言いにくい映画です。重くて、痛々しく、観る人によってはつらさを感じるかもしれません。

まずは予告編を観てみると、本作がどんな映画なのかイメージしやすいかもしれません。

ジェニファー・ローレンスのファンなら、この映画で新たな一面を見ることができるはずです。

完璧ではない一人の人間が崩れていく姿を演じた、その迫真の演技は強く印象に残ります。

※本記事の情報は2026年6月時点、最新情報はMUBI公式サイトをご確認ください。

『Die My Love』制作キャストの他作品

『Die My Love』が気になった方には、同じ監督・同じ主演の過去作もぜひ。ローレンスの主演作とラムジー監督の世界観、両方を知ってから観ると、この映画がさらに深く刺さると思います

『ビューティフル・デイ』

『Die My Love』が気になった方は、リン・ラムジー監督の代表作『ビューティフル・デイ』もおすすめです。研ぎ澄まされた映像表現と不穏な緊張感が光る一作で、ラムジー作品の世界観をより深く味わえます。

『マザー！』

CinemaScore「F」を獲得し、一部では挑戦的な作品と話題になった一作。

ジェニファー・ローレンスに注目した方は、『マザー！』もおすすめです。極限状態に追い込まれる主人公を熱演しており、美しさと狂気が入り混じる姿は神がかっていました

CinemaScore「F」を獲得し、一部では挑戦的な作品と話題になった一作。
現実逃避なのか、わたしは視聴中に居眠りしてしまいました。
「癖強・難解・余白」映画がお好みの方におすすめです。

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最後までお読みいただき、ありがとうございました。

今後も映画やドラマ、アニメのおすすめ作品を紹介していきますので、ぜひまた遊びに来てください。

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